Какой портрет, какой пейзаж

Ян Верме́ер, нидерландский живописец из Делфта (1632 – 1675), написал свою «Девушку с жемчужной серёжкой» около 1665 года. Это не совсем портрет в том смысле, к которому мы привыкли сегодня. Художник писал не конкретного заказчика, а выразительный образ, характер, настроение. В голландской традиции XVII века такие изображения называли тро́ни (от нид. tronie – голова, лицо). То есть, возможно, такой девушки никогда и не существовало!

Шутку про модную сегодня технологию создания ИИ-портретов придумайте сами… В общем, это могла быть как реальная модель (тогда её имени мы, скорее всего, никогда не узнаем), так и собирательный образ, чистая фантазия Вермеера.

Сегодня оригинал картины можно увидеть в музее Маурицхёйс в Гааге. Называют её по-нидерландски Het meisje met de parel (дословно «Девушка с жемчужиной»). Небольшое полотно размером всего около 45 на 39 сантиметров всегда собирает вокруг себя огромную аудиторию – ещё одно доказательство того, что гениальность не обязательно требует большого формата. Иногда достаточно одного взгляда и одной жемчужной серёжки.

Как увидеть картину? Очень просто!

1.

У этой картины много и других загадок. Например, знаменитая «жемчужина» может быть скорее художественной иллюзией, чем настоящей драгоценностью: у неё нет чёткого контура и видимого крепления к уху. А тёмный фон, который сегодня кажется почти чёрным, изначально был «глубоким зелёным» – это выяснили исследователи при реставрации. Кстати, сколько лет девушке (не нашей, а вермееровской) – как бы вы оценили? Считается, что примерно 14-18.

2.

По-испански картина называется La acróbata de la bola. В ней все построено на контрасте. Хрупкая девочка удерживает равновесие на шаре, а рядом сидит мощный атлет – устойчивый, почти монументальный. Шар и куб, легкость и сила, движение и покой, юность и зрелость: Пикассо превращает простую цирковую сцену в размышление о равновесии. Возможно, поэтому картина так хорошо запоминается – в ней есть не только сюжет, но и почти архитектурная точность композиции.

Картина вначале принадлежала Гертруде и Лео Стайнам, известным французским коллекционерам, а в 1913 году её приобрел русский промышленник и меценат Иван Морозов. После революции его коллекция была национализирована, и сегодня «Девочка на шаре» хранится в собрании Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве.

Па́бло Пика́ссо (1881 – 1973), испанский художник и основоположник кубизма, написал «Девочку на шаре» в 1905 году – в период, который искусствоведы называют «розовым». После более холодного и печального «голубого периода» в его работах появляется больше тепла, мягкости, телесных оттенков, а вместе с ними – герои цирка: акробаты, арлекины, странствующие артисты. В то время Пикассо жил на Монмартре в Париже и часто бывал в цирке Медрано́, где, кажется, нашел идеальную метафору для искусства: баланс, риск, дисциплина и красота в одном движении.

Наша реклама демонстрирует: дом RBI – это больше, чем жилье. Это ощущение, стиль жизни, внутреннее состояние. Это выбор людей, которые ценят эстетику, глубину и не хотят быть «как все». Так родилась идея сделать каждый баннер оммажем известным художественным образам – работам Пикассо, Магритта, Бэнкси, Вермеера. Только у нас они переосмыслены в современном городском контексте, причем со «встроенными» узнаваемыми домами RBI – так, чтобы возникало ощущение «это про меня», а не «это реклама».

Мы «продаём» ощущение жизни определённого уровня и глубины. «Дом как баланс» («Девочка на шаре») – про внутреннее равновесие, контроль над жизнью, устойчивость в большом городе, про дом как «точку опоры». «Дом как состояние» («Человек в котелке») – про спокойствие, тишину, ментальный комфорт, про дом как личное пространство восстановления. «Дом как любовь» («Девочка с воздушным шаром») – про семью, заботу, будущее, которое передается дальше, про дом как ценность поколений. «Дом как искусство» («Девушка с жемчужной серёжкой») – про эстетику, вкус, культурный код Петербурга, про дом как продолжение личности владельца. Люди очень разные: для кого-то понятнее и важнее вдохновение, а для кого-то смысл жизни – это семья и любовь, и т.д. У каждого свое ощущение того, какое состояние из названных помогает ему жить, творить и восстанавливаться.

Петербург – Стамбул, Стамбул – Брюссель

самолёт

Как добраться?

4.

Самая знаменитая глава в истории этой работы случилась в 2018 году на аукционе Sotheby’s. Сразу после продажи за 1 042 000 фунтов изображение начало самоуничтожаться: в раму оказался встроен шредер. Полотно оказалось разрезано не полностью, а сама акция превратила работу в новое произведение – «Любовь в мусорной корзине» (Love Is in the Bin). Позже его продали уже за 18 582 000 фунтов.

Знаменитый английский уличный художник Бэ́нкси создал свою «Девочку с воздушным шариком» в 2002 году в Лондоне. Один из первых вариантов появился на Саут-Бэнке (район в центре Лондона напротив исторического центра), у моста Ватерлоо. В том же году появилось и несколько аналогичных граффити на других улицах в центре Лондона. Рядом с одной из версий была фраза There is always hope – «Надежда есть всегда». В этом и сила работы: в ней почти нет деталей, но есть чувство, которое считывается мгновенно – потеря, мечта, любовь, детство, надежда.

Со временем «Девочка с воздушным шариком» стала одним из самых узнаваемых образов Бэнкси. Художник не раз возвращался к этому мотиву: использовал его в социальных кампаниях, в том числе в поддержку сирийских беженцев, а также выпускал тиражные версии. В 2017 году работа была названа любимым произведением искусства британцев по результатам опроса Samsung. Редкий случай, когда уличное граффити стало почти национальной визуальной иконой.

А что мы всё куда-то ездим и летаем? Ведь помним же прекрасно, что блестящая коллекция предметов искусства есть и у нас в RBI. И даже в главном офисе многие из нас могут видеть некоторые из них каждый день – это те живописные произведения и арт-объекты, которые пока ждут своего часа, чтобы украсить строящиеся сегодня объекты RBI.

В том числе – картины Латифа Казбекова, которые будут экспонироваться в пинакотеке дома «Коллекционер», вместе с работами скульптора Виктора Грачева. Мы, конечно, не искусствоведы, но попробуем разобраться, что это за картины. Итак, абстрактный диптих в технике рельефа и акварельный триптих на уникальной бумаге, изготовленной по авторской технологии. Центральный элемент триптиха – это, конечно, дерево. Один из любимых живописных объектов творчества художника. И он тоже, в свою очередь, состоит из трёх композиционных частей (уже сложновато, правда?) Но на самом деле, присмотритесь, это не одно дерево и не три дерева – а одно и то же дерево, увиденное с разных сторон! Ну а два других элемента триптиха дополнительно расширяют художественный мир картины, привнося ещё одно измерение.

5.

Где увидеть? После 2028 года – в пинакотеке дома «Коллекционер» на ул. Чапыгина, 4. До этого – в офисе RBI (шестой этаж, ВИП-переговорная). Бесплатно!

Арт-концепция родилась сразу как коллекция для наполнения пинакотеки из картин и скульптур. Подбирать художников и сформулировать концепцию нам помогла куратор, искусствовед Лада Шамшурина. После того как у нас был готов проект интерьеров, мы совместно с шеф-дизайнером Олегом Надёждиным посетили мастерскую художника. Рассмотрели его работы, совместно обозначили направление – картины в каких техниках лучше всего подойдут для нашего проекта.

Одно дерево, разделенное на три части. Это метафора о том, что бывают разные взгляды на одни и те же вещи. Если смотреть пассивно, равнодушно, безучастно – это увядание (левая часть). Если созидание с любовью, надеждой – это расцвет, в итоге приносящий плоды добра (правая часть). Центральная часть – это неприятие, агрессия, которая хочет подавить всё вокруг…

Далее я долго подбирал две боковые акварели – чтобы как-то связать их по логике и содержанию с центральной частью. Остановился на диптихе «Полночь» и «Полдень». Он представляет собой метафору того, что, как бы мы ни трактовали, каждый по-своему, события и отношения, – есть вещи однозначные. Такие, как полдень и полночь.

А что же рельефный диптих? Посмотрим и на него тоже! Два абстрактных, вертикальных рельефа, кажется, как будто относят нас к архаичным истокам человеческой культуры – петроглифам. Это некий, едва узнаваемый, эмоционально-ценностный семантический код, с игрой света и тени, отлитый вручную из нескольких слоев бумажной массы с добавлением хлопка, льна, водорослей, практически превращённый в каменные скрижали.

Рельефы абстрактные. Мне кажется, в сочетании с реалистичными акварелями это будет интереснее, разнообразнее и богаче. Да и мне интереснее. Есть две формы прогресса: культура, духовная основа (литература, музыка, изобразительное искусство) и наука, физическая основа (математика, физика, химия). И то, и другое – творчество. Левая часть диптиха – свободное движение форм. Линии, пересекаясь, переплетаясь, наслаиваясь, создают гармонию, богатство духовного мира… Правая часть диптиха – основа, строго выверенная, обозначенная форма. Опытным путём, вновь и вновь переосмысляя, перестраивая, наука создаёт всё более прогрессивные открытия по смыслу и содержанию, новые формы физического мира…

Ну а где увидеть рельефный диптих Латифа Казбекова? Пока что на первом этаже нашего офиса – в отделе развития продуктов и разработки концепций.